Jan Voss a fréquenté l’Académie des Beaux-arts de Munich, École qui compta parmi ses élèves Vassily Kandinsky et Paul Klee. On retrouve dans son œuvre dès le début des années 60 un univers poétique peuplé de petits personnages. Il fait partie du mouvement CoBrA avec Pierre Alechinsky et Asger Jorn. Il réalise sa première exposition personnelle en 1963 puis devient professeur à l’École Nationale Supérieure des Beaux-arts de Paris de 1987 à 1992. Il est l’auteur de nombreuses séries dans lesquelles il utilise différentes techniques : encres et aquarelles sur papier, huiles et acryliques sur toile ainsi que des collages, sculptures et lithographies. Animaux, végétaux, objets et silhouettes se superposent dans ses tableaux : ils lui permettent de raconter de petites histoires. Au fil du temps, son œuvre deviendra plus neutre et appliquée. Ces ensembles abstraits se rapprochent des idéogrammes orientaux. Il reviendra dans les années 90 vers une pratique d’avantage liée à la ligne et aux aplats de couleurs cloisonnés ou couvrant toute la surface de la toile.

Jan Voss a fréquenté l’Académie des Beaux-arts de Munich, École qui compta parmi ses élèves Vassily Kandinsky et Paul Klee. On retrouve
dans son œuvre dès le début des années 60 un univers poétique peuplé de petits personnages. Il fait partie du mouvement CoBrA avec Pierre
Alechinsky et Asger Jorn. Il réalise sa première exposition personnelle en 1963 puis devient professeur à l’École Nationale Supérieure des Beaux-arts de Paris de 1987 à 1992. Il est l’auteur de nombreuses séries dans lesquelles il utilise différentes techniques : encres et aquarelles sur papier, huiles et acryliques sur toile ainsi que des collages, sculptures et lithographies. Animaux, végétaux, objets et silhouettes se superposent dans ses tableaux : ils lui permettent de raconter de petites histoires. Au fil du temps, son œuvre deviendra plus neutre et appliquée. Ces ensembles abstraits se rapprochent des idéogrammes orientaux. Il reviendra dans les années 90 vers une pratique d’avantage liée à la ligne et aux aplats de couleurs cloisonnés ou couvrant toute la surface de la toile.

Head Hunter est une xylogravure, c’est-à-dire, une gravure sur bois. C’est l’une des techniques d’estampe les plus ancienne, où l’on creuse le support en bois avec des gouges afin de réaliser un dessin en négatif. L’encre est ensuite appliquée au rouleau sur la surface plane du support que l’on passe sous presse pour obtenir un tirage. La gravure sur bois est caractéristique du travail de Jan Voss : un travail pictural coloré et saturé où des formes vibrantes s’enclenchent, se croisent, se superposent. La dynamique de la composition donne à l’œuvre une impression de mouvement. On y voit
aussi une silhouette noire qui rappelle la tête de lapin, image emblématique des œuvres de Jan Voss.

Jan Voss a fréquenté l’Académie des Beaux-arts de Munich, École qui compta parmi ses élèves Vassily Kandinsky et Paul Klee. On retrouve dans son œuvre dès le début des années 60 un univers poétique peuplé de petits personnages. Il fait partie du mouvement CoBrA avec Pierre Alechinsky et Asger Jorn. Il réalise sa première exposition personnelle en 1963 puis devient professeur à l’École Nationale Supérieure des Beaux-arts de Paris de 1987 à 1992. Il est l’auteur de nombreuses séries dans lesquelles il utilise différentes techniques : encres et aquarelles sur papier, huiles et acryliques sur toile ainsi que des collages, sculptures et lithographies. Animaux, végétaux, objets et silhouettes se superposent dans ses tableaux : ils lui permettent de raconter de petites histoires. Au fil du temps, son œuvre deviendra plus neutre et appliquée. Ces ensembles abstraits se rapprochent des idéogrammes orientaux. Il reviendra dans les années 90 vers une pratique d’avantage liée à la ligne et aux aplats de couleurs cloisonnés ou couvrant toute la surface de la toile.

Jan Voss a fréquenté l’Académie des Beaux-arts de Munich, École qui compta parmi ses élèves Vassily Kandinsky et Paul Klee. On retrouve dans son œuvre dès le début des années 60 un univers poétique peuplé de petits personnages. Il fait partie du mouvement CoBrA avec Pierre Alechinsky et Asger Jorn. Il réalise sa première exposition personnelle en 1963 puis devient professeur à l’École Nationale Supérieure des Beaux-arts de Paris de 1987 à 1992. Il est l’auteur de nombreuses séries dans lesquelles il utilise différentes techniques : encres et aquarelles sur papier, huiles et acryliques sur toile ainsi que des collages, sculptures et lithographies. Animaux, végétaux, objets et silhouettes se superposent dans ses tableaux : ils lui permettent de raconter de petites histoires. Au fil du temps, son œuvre deviendra plus neutre et appliquée. Ces ensembles abstraits se rapprochent des idéogrammes orientaux. Il reviendra dans les années 90 vers une pratique d’avantage liée à la ligne et aux aplats de couleurs cloisonnés ou couvrant toute la surface de la toile.

Le travail de Jim-Kevin Quéré s’articule autour du dessin, des estampes et de la photographie. Passionné par les moyens de reproductibilité de toutes les époques, il en explore les possibilités jusqu’à épuisement, à la manière d’un savant dans son laboratoire: impressions numériques, eaux fortes, sérigraphies pour livrer des images singulières.

Jérôme Dubois publie son premier ouvrage, Jimjilbang, en 2014 chez Cornelius, où s’impose une écriture ciselée à la limite de l’abstraction, laissant déjà une grande place au dessin. On y trouve également l’intérêt de l’auteur pour les relations des individus à l’architecture des villes. À l’origine projet de diplôme de fin d’études à la Haute École des arts du Rhin (Hear) de Strasbourg, Jimjilbang propose une fiction inspirée d’éléments autobiographiques. Elle dépeint, à travers le récit désenchanté d’un voyage en Corée du Sud, la peur de l’inconnu et l’incapacité à s’adapter. Les titres suivants, Tes yeux ont vu (Cornélius, 2017), Bien normal (Cornélius, 2018), Citéruine (Matière, 2020) et Citéville (Cornélius, 2020), poursuivent l’exploration circonspecte d’un monde sombre et angoissant, très proche du nôtre.

Réalisée en sérigraphie et linogravure, Sans titre (Sucette) prolonge ce travail sur l’espace urbain et l’abstraction en abordant l’usage des images dans la ville, notamment publicitaires. Ainsi, au cœur d’une architecture dénuée de toute présence humaine, Jérôme Dubois a posé un panneau d’affichage dit sucette (120 × 176 cm). Il crée au centre de la composition un rectangle opaque dénué de message, une abstraction monochrome qui répond au jeu géométrique des fenêtres et des architectures environnantes. Le monolithe est entouré d’une étrange structure ovoïde, seule présence colorée, traitée ici en dégradé uniforme par la technique de l’encrage au rouleau.
« Les affiches […] qui criblent les villes de fenêtres colorées et incontournables sont pour moi d’excellents marqueurs de notre époque », précise Jérôme Dubois. « Bien que vidés de leur contenu, ces objets omniprésents conservent leur force évocatrice, tout en ayant perdu leur vocation d’origine […]. Ils constituent
à mes yeux des balises de la navigation urbaine. » Y. P.

Sérigraphie couleur en dégradé manuel et linogravure sur papier Rivoli 250g, 1 passage noir.
Œuvre réalisée en collaboration avec Guillaume Guilpart et Simon Thompson à Paris Print Club, Paris.

Jérôme Dubois est né en 1989 à Reuil-Malmaison. Il vit et travaille à Asnières.

Cette œuvre a été réalisée dans le cadre de la commande Emanta.
Confiée à des auteurs de bande dessinée et à des artistes la commande d’œuvres d’art imprimé, Emanata* dévoile douze créations originales qui témoignent de la singularité de la création contemporaine et des images. Initiée par le ministère de la Culture dans le cadre de « BD 2020, l’année de la bande dessinée », cette commande, portée par le Centre national des arts plastiques (Cnap) en partenariat avec l’Association de développement et de recherche sur les artothèques (Adra) et la Cité internationale de la bande dessinée et de l’image, d’Angoulême, vise à souligner les liens qu’entretient la bande dessinée avec les arts visuels dans la création contemporaine. Les artistes retenus, par un comité de sélection composé de représentants des commanditaires et des artistes Marion Fayolle et Jochen Gerner, affirment leur appartenance à l’imaginaire et aux codes de la bande dessinée et de l’image graphique et développent des recherches prospectives et expérimentales. Dans la lignée de Nouvelles Vagues (2010–2018) et de nombreux autres programmes de commande menés depuis 1989, Emanata* crée également un terrain de rencontres et d’échanges de savoir-faire entre artistes et artisans d’art, tout autant passeurs d’images et d’imaginaires.
Les œuvres réalisées sont conservées au sein des collections du Cnap, des artothèques et de la Cité  internationale de la bande dessinée et de l’image et viennent enrichir un patrimoine vivant. Destinées par essence à être diffusées largement, les six cent soixante-cinq estampes sont mises à la disposition à la fois
des administrations ou des services de l’État mais aussi des emprunteurs des artothèques. Ce deuxième partenariat avec l’Adra — le premier ayant donné lieu à la commande de multiples Quotidien, en 2019 — permet à nouveau de faire circuler des œuvres de l’espace collectif vers celui de l’intime et de toucher ainsi
un public élargi.

Alain Chavatte  était peintre, graveur et dessinateur originaire de Canteleu.

Peintre confirmé et militant de l’expression artistique pour tous, il animait des ateliers de peinture dans les années 1990 dans les caves de son immeuble de Saint-Etienne du Rouvray. Ce projet fut une telle réussite, qu’il se structura et devint le Centre Social de la Houssière dont il fut un membre actif et le président de l’association.

Réplique de la carte de la « Description universelle du Royaume de la Galanterie», milieu du 17e siècle.

Les différentes cartes sentimentales réalisées à ce jour fonctionnent toutes par le retrait de l’image originale des cartes du XVe siècle au profit des mentions et leurs emplacements. En conservant les terminologies d’époques et leurs emplacements, apparaissent des nuages de mots sentimentaux hauts en couleurs, parfois désuets, parfois drôles … La toute première de la série, Folio 399, reprend la carte de Tendre et fait maintenant partie de la collection du FRAC Occitanie – Montpellier). DU ROYAUME DE GALANTERIE, est une gravure en taille douce produite
avec l’URDLA en 2019. Fabriquée donc comme une véritable estampe du XVIIIe siècle (si ce n’est la plaque d’origine, en plexiglas gravé numériquement), et est peut-être un peu plus universelle dans ses thématiques comme elle touche au jeu, à l’amour, l’opulence et la bonne chère.

Guillaume Constantin est né en 1974, il vit et travaille à Paris. Sa pratique est généralement associée à la sculpture et à l’installation. Comme certains artistes de sa génération, il s’intéresse à la collection, aux conditions de sa constitution et de sa transmission comme à son potentiel narratif. Des displays de la série Fantômes du Quartz, qui accueillent une constellation d’artefacts de nature et de provenance diverses, aux expériences plus récentes sur les possibilités offertes par l’impression 3D et les fichiers open source, ses œuvres reposent sur une stratification de matières et de temporalités. Adepte des jeux de langage, il recourt volontiers à l’analogie et à l’anachronisme, à l’appropriation et au recyclage (…).
Outre de nombreuses expositions collectives et foires en France et à l’étranger, il a déjà bénéficié de plusieurs projets personnels notamment à la Maison des Arts G.&C. Pompidou (Cajarc), au Frac Haute-Normandie, au CRAC – Occitanie/Pyrénées – Méditerranée (Sète). Guillaume Constantin occupe aussi parallèlement un poste de programmateur/curateur arts visuels aux Instants Chavirés, lieu basé à Montreuil (93) dédié aux musiques expérimentales et aux arts visuels et sonores.

Gravure en taille douce sur papier Arches noir, n°1/18