Peintre, sculpteur, graveur, Jean-Paul Riopelle se forme auprès de Paul-Emile Borduas qui fait partie de l’avant garde surréaliste. En 1947 il rencontre André Breton et s’associera brièvement avec les surréalistes à Paris. Les années 50 sont celles de sa consécration à Paris et en Amérique, c’est aussi la période de ses « grandes mosaïques », tableaux peints à la spatule, faits d’éléments multicolores juxtaposés de façon telle qu’ils rappellent un paysage vu des airs. Avec les années 60, Riopelle diversifie ses moyens d’expression, touchant autant l’encre sur papier, l’aquarelle, la lithographie, le collage que l’huile.

Après avoir rencontré le succès à Paris, il revient au Québec définitivement en 1990. Il passe plusieurs années à perfectionner la technique du all-over, qui consiste à éliminer toute forme de perspective dans le tableau au moyen d’éclats de peinture en couches multiples, technique picturale emblématique de l’artiste américain Jackson Pollock. Par la suite, il renoue avec la figuration : c’est l’arrivée des oiseaux. Il termine sa carrière avec quatre 1er prix internationaux et devient, par le fait même, l’un des plus grand peintres du Canada.

Bernard Piga naît en 1934 à Paris. Il a comme sujets l’atelier et les natures mortes, des chevaux et écuyers en manège, des intérieurs.

Mort en 2008, une exposition posthume lui est consacrée en 2009 à la Galerie Déprez-Bellorget à Paris.

Installé à 24 ans, en 1966, dans un petit atelier dans le Vaucluse avec le projet de réaliser des toiles monumentales. Il est rattrapé par ce qui ce passait à quelques champs de lavandes de chez lui, à savoir l’installation d’un arsenal atomique, il décide de dénoncer les effets des bombes en reprenant la silhouette d’un homme calciné par l’éclair atomique à Hiroshima. Il crée un pochoir dont il laisse l’empreinte sur les murs des maisons ainsi que les roches. Engagé politiquement et socialement, Ernest Pignon-Ernest développe un art qui cherche à bouleverser les mentalités, à ouvrir les esprits sur la réalité du monde.

Ses représentations humaines grandeur nature sont réalisées au fusain et reproduites en sérigraphie pour les coller sur les murs des villes, tout autour du monde. Ses œuvres sont éphémères, vouées à disparaître avec l’usure du temps.

Installé à 24 ans, en 1966, dans un petit atelier dans le Vaucluse avec le projet de réaliser des toiles monumentales. Il est rattrapé par ce qui ce passait à quelques champs de lavandes de chez lui, à savoir l’installation d’un arsenal atomique, il décide de dénoncer les effets des bombes en reprenant la silhouette d’un homme calciné par l’éclair atomique à Hiroshima. Il crée un pochoir dont il laisse l’empreinte sur les murs des maisons ainsi que les roches. Engagé politiquement et socialement, Ernest Pignon-Ernest développe un art qui cherche à bouleverser les mentalités, à ouvrir les esprits sur la réalité du monde.

Ses représentations humaines grandeur nature sont réalisées au fusain et reproduites en sérigraphie pour les coller sur les murs des villes, tout autour du monde. Ses œuvres sont éphémères, vouées à disparaître avec l’usure du temps.

Pablo Palazuelo est un peintre, graveur et sculpteur espagnol né à Madrid en 1915. C’est une figure de l’art espagnol de la seconde
moitié du XXe siècle. Formé initialement à l’architecture et admiratif du travail de Paul Klee et de Vladimir Kandinsky, c’est géométriquement qu’il aborde l’abstraction. En 1945 il expose pour la première fois ses peintures, puis s’installe en 1948 à Paris. Il y vivra 20 ans et y créera ses premières compositions géométriques avant de retourner en Espagne en 1969 jusqu’à sa mort en octobre 2007.
Cette lithographie minimaliste, de couleur rouge représente des formes géométriques existantes. Dans son processus de création, il ne semble pas être intéressé par la composition finale et les formes mais d’avantage par la recherche et la variation. Ici, l’utilisation de l’estampe a permis l’obtention d’un aplat uni de rouge vif. Les formes qui se touchent et s’enchevêtrent, suggèrent une idée de tension entre elles.

Membre fondateur du provocateur collectif Bazooka, Loulou Picasso, est, avec ses acolytes Kiki Picasso et Olivia Clavel, une figure majeure du graphisme et de l’illustration d’avant-garde et underground, qui a influencé une génération de dessinateurs, auteurs et graphistes. À la fin des années 1970, il collabore avec de nombreux journaux, tels Libération, Métal hurlant, L’Écho des savanes (Paris), Raw magazine (New York), New Musical Express (Londres). Il se concentre par la suite sur son activité d’artiste peintre et sur la création d’ateliers, ouverts à tous, de sensibilisation et d’apprentissage de l’image numérique.

Déjà initié aux techniques de gravure et d’impression, pour cette commande, Loulou Picasso a choisi de réaliser une lithographie. Sur cinq pierres lithographiques correspondant chacune a une couleur, l’artiste a dessiné avec des lavis à l’essence et des crayons lithographiques en inversant bien sûr son dessin, toujours en noir. L’ensemble a été fixé ensuite avec un mélange de gomme arabique et d’acide nitrique et les couleurs composées. Une pierre a été doublée pour obtenir le jeu chromatique désiré — la superposition de deux couleurs donne une troisième couleur —, se révélant seulement à l’impression.
L’œuvre ainsi réalisée incarne l’image d’une liberté rayonnante et bienveillante qui plane au-dessus d’une ville. Cette représentation d’un enfant sur un trapèze, avec comme vue plongeante l’espace urbain, est, selon l’artiste, « une irrévérence à la pesanteur, une embrasure sur un imaginaire ». Ce personnage apparaît dans plusieurs de ses peintures (la première a été reproduite dans Bazooka Production, édité par Futuropolis en 1977) et la perspective de la ville est tirée d’une photographie que Loulou Picasso a prise à Tokyo. Le damier près du visage peut être lu comme un phylactère dont le texte serait codé, il est également un élément graphique que l’on retrouve fréquemment dans les réalisations de l’artiste comme une sorte de seconde signature. I. T.

Loulou Picasso est né en 1954 à Mazingarbe. Il vit et travaille à Bazouges-la-Pérouse.

Lithographie sur papier BFK Rives 270g, 6 passages couleur.
Œuvre réalisée en collaboration avec Étienne de Champfleury, Matthieu Duringer et Laurence Lépron à l’atelier À fleur de pierre, Paris.

Cette œuvre a été réalisée dans le cadre de la commande Emanata.
Confiée à des auteurs de bande dessinée et à des artistes la commande d’œuvres d’art imprimé, Emanata* dévoile douze créations originales qui témoignent de la singularité de la création contemporaine et des images. Initiée par le ministère de la Culture dans le cadre de « BD 2020, l’année de la bande dessinée », cette commande, portée par le Centre national des arts plastiques (Cnap) en partenariat avec l’Association de développement et de recherche sur les artothèques (Adra) et la Cité internationale de la bande dessinée et de l’image, d’Angoulême, vise à souligner les liens qu’entretient la bande dessinée avec les arts visuels dans la création contemporaine. Les artistes retenus, par un comité de sélection composé de représentants des commanditaires et des artistes Marion Fayolle et Jochen Gerner, affirment leur appartenance à l’imaginaire et aux codes de la bande dessinée et de l’image graphique et développent des recherches prospectives et expérimentales. Dans la lignée de Nouvelles Vagues (2010–2018) et de nombreux autres programmes de commande menés depuis 1989, Emanata* crée également un terrain de rencontres et d’échanges de savoir-faire entre artistes et artisans d’art, tout autant passeurs d’images et d’imaginaires.
Les œuvres réalisées sont conservées au sein des collections du Cnap, des artothèques et de la Cité internationale de la bande dessinée et de l’image et viennent enrichir un patrimoine vivant. Destinées par essence à être diffusées largement, les six cent soixante-cinq estampes sont mises à la disposition à la fois des administrations ou des services de l’État mais aussi des emprunteurs des artothèques. Ce deuxième partenariat avec l’Adra — le premier ayant donné lieu à la commande de multiples Quotidien, en 2019 — permet à nouveau de faire circuler des œuvres de l’espace collectif vers celui de l’intime et de toucher ainsi un public élargi.

Né à Paris, l’artiste a vécu plusieurs années dans la célèbre cité d’artistes de La Ruche, dans le XVe arrondissement, où il a côtoyé Brancusi. Peintre figuratif mais aussi abstrait, il était proche de Picasso et de Fernand Léger. Influencé par le cubisme picassien, c’est cependant surtout dans l’art de la couleur de Matisse que Marcel Mouly a trouvé sa source d’inspiration majeure.

C’est en 1948 que Marcel Mouly a vu son premier tableau intégrer les collections nationales françaises. Ses peintures ont été exposées dans le monde entier, notamment en Suède où il était très connu. La dernière exposition de ce peintre décoré de la distinction de chevalier de l’Ordre des arts et des lettres remonte à 2007, à Paris.

Peintre, sculpteur, graveur et céramiste, Joan Miró naît à Barcelone (Espagne) en 1893, il trouve sa voie en faisant ses études à l’école des Beaux-Arts de Barcelone. Influencé à ses débuts par le fauvisme, le cubisme et le dadaïsme, il montre un désir d’abandonner les méthodes conventionnelles de la peinture pour une peinture plane, naïve et enfantine. Il intègre le groupe surréaliste d’André Breton vers 1919. Sa peinture devient plus onirique. Il se sent à l’aise avec l’humour décalé et le goût de l’imaginaire de ce courant. Après la guerre d’Espagne il adopte un style plus réaliste, et quitte le groupe surréaliste. Il s’éteint en 1983.
La chevauchée orange est une lithographie explosive aux couleurs puissantes et vibrantes, créée de gestes spontanés et énergiques. Des yeux et une bouche  grimaçante, un personnages animé surgissent de ce tumulte coloré. L’image fut construite couleur par couleur, et donc par superposition d’étapes et de gestes rapides.

Le peintre cubain Wilfredo Lam, de renommée internationale, est l’initiateur d’une peinture métissée alliant modernisme occidental et symboles africains ou caribéens. Il a côtoyé tous les mouvements d’avant-garde de son époque – cubisme, surréalisme, CoBrA – qui incitent à la liberté, favorisent l’accès à l’inconscient ou explorent le merveilleux, à travers l’automatisme graphique. Mais Lam affronte également les problèmes du monde ; il poursuit dans son oeuvre le même combat que son ami Aimé Césaire :  » peindre le drame de son pays, la cause et l’esprit des Noirs « . Il a ainsi inventé un langage propre, unique et original, pour  » défendre la dignité de la vie  » et  » saluer la Liberté « .

Pierre La Police cultive l’anonymat comme un des beaux-arts. De sa date de naissance et de sa véritable identité on ne sait rien, ou pas grand-chose, non plus que des raisons qui l’ont poussé (ou poussée ?, l’anonymat n’a pas de genre) à choisir un pseudonyme si singulier, et si l’on présume que son atelier et son domicile sont à Paris, c’est évidemment sous réserve de plus amples informations.
Ses dessins de presse ont été publiés dans le quotidien Libération et, de 1992 à 2008, dans le magazine Les Inrockuptibles. Les éditions Cornélius ont repris ces travaux en albums, mais son itinéraire personnel a bifurqué du monde de la presse et de la bande dessinée vers celui de l’art contemporain. La galerie du Jour (Agnès B.) et la galerie Kamel Mennour ont montré ses œuvres, tout comme Le Lieu unique, à Nantes, qui lui a consacré une rétrospective significativement intitulée « Groumf ! » (2016). Dans cette onomatopée on entend, outre un défi au sérieux du monde muséal, une référence claire au Pop Art, référence que l’on retrouve dans la lithographie réalisée avec l’atelier Idem : cette silhouette courbée, image d’un personnage affairé les mains dans l’eau, vient-elle du film Riz amer (1949), d’un manuel de scoutisme, d’un récit de pêche à la palourde dans un album pour la jeunesse ? À coup presque sûr, en tout cas, d’une iconographie populaire.
Mystère encore, mais qui revêt pour nous les prestiges discrets des estampes japonaises, que l’on aime sans, bien souvent, en connaître exactement ni l’histoire ni le sujet. A. B.

Pierre La Police est né en France.

Lithographie sur plaques aluminium sur papier BFK Rives 270 g, 5 passages couleur.
Œuvre réalisée en collaboration avec Martin Giffard, Killian Moyson, Martin Renucci et Anaëlle Robin
à l’atelier Idem, Paris.

Cette œuvre a été réalisée dans le cadre de la commande Emanata.
Confiée à des auteurs de bande dessinée et à des artistes la commande d’œuvres d’art imprimé, Emanata* dévoile douze créations originales qui témoignent de la singularité de la création contemporaine et des images. Initiée par le ministère de la Culture dans le cadre de « BD 2020, l’année de la bande dessinée », cette commande, portée par le Centre national des arts plastiques (Cnap) en partenariat avec l’Association de développement et de recherche sur les artothèques (Adra) et la Cité internationale de la bande dessinée et de l’image, d’Angoulême, vise à souligner les liens qu’entretient la bande dessinée avec les arts visuels dans la création contemporaine. Les artistes retenus, par un comité de sélection composé de représentants des commanditaires et des artistes Marion Fayolle et Jochen Gerner, affirment leur appartenance à l’imaginaire et aux codes de la bande dessinée et de l’image graphique et développent des recherches prospectives et expérimentales. Dans la lignée de Nouvelles Vagues (2010–2018) et de nombreux autres programmes de commande menés depuis 1989, Emanata* crée également un terrain de rencontres et d’échanges de savoir-faire entre artistes et artisans d’art, tout autant passeurs d’images et d’imaginaires.
Les œuvres réalisées sont conservées au sein des collections du Cnap, des artothèques et de la Cité internationale de la bande dessinée et de l’image et viennent enrichir un patrimoine vivant. Destinées par essence à être diffusées largement, les six cent soixante-cinq estampes sont mises à la disposition à la fois des administrations ou des services de l’État mais aussi des emprunteurs des artothèques. Ce deuxième partenariat avec l’Adra — le premier ayant donné lieu à la commande de multiples Quotidien, en 2019 — permet à nouveau de faire circuler des œuvres de l’espace collectif vers celui de l’intime et de toucher ainsi un public élargi.