Récemment disparu, Jacques Villeglé (1926-2022) est l’une des figures importantes du groupe les Nouveaux Réalistes, fondé en 1960 par le critique Pierre Restany autour des pratiques de Raymond Hains, Arman, César, Daniel Spoerri, Niki de Saint-Phalle, Yves Klein, Mimmo Rotella, etc. Connu pour ses décollages d’affiches lacérées par des passants ou abîmées par les conditions climatiques, Villéglé s’est transformé en archéologue de rue restituant une part de la mémoire collective dévolue à l’oubli ou à la destruction, révélant de nouvelles réalités cachées sous la surface des panneaux d’affichage.Récemment disparu, Jacques Villeglé (1926-2022) est l’une des figures importantes du groupe les Nouveaux Réalistes, fondé en 1960 par le critique Pierre Restany autour des pratiques de Raymond Hains, Arman, César, Daniel Spoerri, Niki de Saint-Phalle, Yves Klein, Mimmo Rotella, etc. Connu pour ses décollages d’affiches lacérées par des passants ou abîmées par les conditions climatiques, Villéglé s’est transformé en archéologue de rue restituant une part de la mémoire collective dévolue à l’oubli ou à la destruction, révélant de nouvelles réalités cachées sous la surface des panneaux d’affichage.

Féru du monde des images, Jacques Villeglé témoigne également d’un grand intéêt pour la typographie, la recherche graphique et la poésie. Il imagine, à partir de 1969, un «alphabet socio-politique» en hommage à Serge Tchakhotine, auteur en 1939 d’un essai intitulé Le Viol des foules par la propagande politique. La création de son Alphabet socio-politique débute avec le repérage en 1969 d’un graffiti particulier sur un mur de métro. Le nom de Nixon est composé de la lettre N avec trois flèches qui renvoient à l’ancien parti socialiste, le I rappelle la croix de Lorraine, le X est une croix gammée et le O est un cercle enfermant une croix celtique. Les lettres de son alphabet sont transformées par des signes porteurs le plus souvent de sens totalitaire ou autoritaire, deux D accouplés forment le support de la croix celtique, le V est porteur de la croix de Lorraine, le F se mue en svastika, etc., interrompant à étapes régulières l’épellation par le signe $.

Sérigraphie sur Arches BFK Rives 300 gr – 35/80 exemplaires signés et numérotés

Diplômé des Beaux-Arts de Paris, Sammy Stein puise autant ses influences dans l’architecture, le jeu vidéo, Internet, l’art contemporain, le design graphique que dans la bande dessinée. Il est le co-fondateur de Collection, une revue consacrée au dessin contemporain, et l’éditeur — avec Séverine Bascouert, Alexis Beauclair et Bettina Henni — de la revue de bande dessinée Lagon. Il joue avec les différentes combinaisons que rend possible la composition du récit tout en s’imposant une économie de moyens. La construction se veut le plus souvent simple et frontale, l’intrigue se déroulant à l’échelle d’une page dans une grille relativement linéaire. Les titres résument, au propre comme au figuré, l’objet du récit : Sculptures, Plateau, Crayon, Pyramide. Chaque histoire lui offre d’épuiser une forme ou de réduire un motif en une série d’actions minimales. Dessinées et mises en couleurs par ordinateur, ses images imposent un trait ferme et une colorimétrie pastel, rendant son univers graphique quelque peu irréel et « hors sol ».

L’Exposition décrit huit œuvres réparties en douze vignettes flottant dans une page. L’ensemble à l’allure d’une cimaise à l’accrochage serré. Chaque œuvre a son cartel, précisant son titre, ses matériaux, ses dimensions et ses modalités de présentation. Répondant à la commande, Samuel Stein fait littéralement exposition en interrogeant la frontière entre les codes de la bande dessinée (cases, textes, récits…) et ceux de la scénographie (accrochage, installation, cartels…). L’estampe, réalisée manuellement, combine des encres translucides et opaques ainsi que des encres mattes et iridescentes. Cette superposition d’encrage, de textures et de nuances permet à l’artiste de réduire l’effet plan de l’impression par aplat propre à la sérigraphie, en lui apportant profondeur et volume.
Quant à la question de savoir si les œuvres d’art ici dessinées sont vraies ou fictives, Sammy Stein répond, à la manière d’un Lawrence Weiner ou d’un Édouard Levé, que les énoncer, c’est déjà les faire exister… Y. P.

Sammy Stein est né en 1979, à Paris. Il vit et travaille à Paris.

Sérigraphie sur papier Rivoli 240 g, 6 passages couleur.
Œuvre réalisée en collaboration avec Séverine Bascouert à L’Institut sérigraphique, Paris.

Cette œuvre a été réalisée dans le cadre de la commande Emanata.
Confiée à des auteurs de bande dessinée et à des artistes la commande d’œuvres d’art imprimé, Emanata* dévoile douze créations originales qui témoignent de la singularité de la création contemporaine et des images. Initiée par le ministère de la Culture dans le cadre de « BD 2020, l’année de la bande dessinée », cette commande, portée par le Centre national des arts plastiques (Cnap) en partenariat avec l’Association de développement et de recherche sur les artothèques (Adra) et la Cité internationale de la bande dessinée et de l’image, d’Angoulême, vise à souligner les liens qu’entretient la bande dessinée avec les arts visuels dans la création contemporaine. Les artistes retenus, par un comité de sélection composé de représentants des commanditaires et des artistes Marion Fayolle et Jochen Gerner, affirment leur appartenance à l’imaginaire et aux codes de la bande dessinée et de l’image graphique et développent des recherches prospectives et expérimentales. Dans la lignée de Nouvelles Vagues (2010–2018) et de nombreux autres programmes de commande menés depuis 1989, Emanata* crée également un terrain de rencontres et d’échanges de savoir-faire entre artistes et artisans d’art, tout autant passeurs d’images et d’imaginaires.
Les œuvres réalisées sont conservées au sein des collections du Cnap, des artothèques et de la Cité internationale de la bande dessinée et de l’image et viennent enrichir un patrimoine vivant. Destinées par essence à être diffusées largement, les six cent soixante-cinq estampes sont mises à la disposition à la fois des administrations ou des services de l’État mais aussi des emprunteurs des artothèques. Ce deuxième partenariat avec l’Adra — le premier ayant donné lieu à la commande de multiples Quotidien, en 2019 — permet à nouveau de faire circuler des œuvres de l’espace collectif vers celui de l’intime et de toucher ainsi un public élargi.

Le travail de Jim-Kevin Quéré s’articule autour du dessin, des estampes et de la photographie. Passionné par les moyens de reproductibilité de toutes les époques, il en explore les possibilités jusqu’à épuisement, à la manière d’un savant dans son laboratoire: impressions numériques, eaux fortes, sérigraphies pour livrer des images singulières.

La femme endormie est un travail de déconstruction et de reconstruction d’une photographie. L’image originale est un autochrome, datant de 1920. Les autochromes furent les premières photographies en couleurs sur verre utilisant la fécule de pomme de terre comme des millions de petits points de couleur. La femme endormie devient pour l’artiste un objet de recherche. Comment s’approprier ce cliché sans dénaturer l’original ? Le sujet est une femme qui semble dormir au soleil : un modèle posant pour le photographe. Derrière elle, nous apercevons une nature aride. Nous pouvons y retrouver une inspiration orientale, caractéristique chez les photographes occidentaux du début des années 1900. La trame de la sérigraphie a permis de multiplier la taille du cliché (6×12 cm) à échelle 1/1. L’utilisation de la sérigraphie et donc de la trame rappelle le grain donné par les millions de points de la fécule. Le travail en série, réalisé manuellement, provoque des altérations de couleur et de calage sur le résultat final.

Jacques Monory est un des représentants du mouvement de la Figuration narrative qui, au milieu des années 1960, s’est opposé à la peinture abstraite. Inspiré par la réalité quotidienne et sa dureté, les tableaux de Jacques Monory dégagent des atmosphères pesantes et menaçantes. Les thématiques qu’il aborde sont directement liées à la société contemporaine. Son style singulier et engagé est caractérisé par des emprunts photographiques et cinématographiques, le recours à la monochromie, la froideur de la touche et de la composition dans la représentation.

Inspirées par la réalité quotidienne et sa dureté, les œuvres bleues de Jacque Monory conjuguent la reproduction fidèle
du réel (notamment à travers des images traditionnelles et stéréotypées de la vie américaine) à toute une fantasmagorie onirique.

Jacques Monory est un des représentants du mouvement de la Figuration narrative qui, au milieu des années 1960, s’est opposé à la peinture abstraite. Ses tableaux dégagent des atmosphères pesantes et menaçantes. Les thématiques qu’il aborde sont directement liées à la société contemporaine. Son style singulier et engagé est caractérisé par des emprunts photographiques et cinématographiques, le recours à la monochromie, la froideur de la touche et de la composition dans la représentation.

On retrouve dans son œuvre des références à son itinéraire personnel. Il consacre des séries entières, directement ou indirectement à ses voyages : c’est à son retour d’un de ses passages aux Etats Unis en 1975 qu’il réalisera Death Valley. Le bleu est qualifié, chez Jacques Monory, de protecteur, de bleu-écran, une vitre, un voile qui sépare. Il peut aussi faire référence à la technique cinématographique « Nuit américaine » qui permet, grâce à l’utilisation d’un filtre, de tourner des scènes, généralement en extérieur, censées se dérouler la nuit.

Jacques Monory est un des représentants du mouvement de la Figuration narrative qui, au milieu des années 1960, s’est opposé à la peinture abstraite. Inspiré par la réalité quotidienne et sa dureté, les tableaux de Jacques Monory dégagent des atmosphères pesantes et menaçantes. Les thématiques qu’il aborde sont directement liées à la société contemporaine. Son style singulier et engagé est caractérisé par des emprunts photographiques et cinématographiques, le recours à la monochromie, la froideur de la touche et de la composition dans la représentation.

« La voleuse (1985-1986) est une série de dix tableaux de tendresse. En effet, pour la première fois, je suis parti non pas d’une chose d’actualité du quotidien mais d’un rêve que j’avais fait. En gros, c’était une petite fille et moi, nous volions dans dans bijouteries et nous fuyions et jamais nous n’étions rattrapés. »

Diplômée de la Haute École des arts du Rhin (Hear) de Strasbourg, en 2016, c’est pendant ses études que Lisa Mouchet développe ses premiers projets d’édition, notamment avec le collectif Zuper. En février 2020, sa première bande dessinée, Le Mystère de la maison brume, paraît aux éditions Magnani. Que ce soit dans Le Mystère de la maison brume, dans Découverte en terre connue (2020–2021) ou dans Vacances d’espion (à paraître), Lisa Mouchet envisage ses bandes dessinées comme une enquête policière. Elle met en scène méticuleusement chaque élément qui compose le décor, telle une scène de crime photographiée. Dans ces explorations des lieux et recherches d’indices, elle se débarrasse parfois des corps des personnages ou du texte pour inviter le public à une lecture immersive. Chaque planche de ses livres peut être regardée indépendamment, comme une image unique.

La sérigraphie Trop d’indices est conçue comme un récit : le héros part à la quête d’une merveille, non pas dans un pays exotique mais dans un paysage qui lui est familier, son village. Parcourant un chemin semé d’embûches, il découvre un nouveau visage de ce territoire qu’il emprunte chaque jour. Sur la façade d’une maison ou au détour d’une rue familière, l’observation de discrets détails lui donnera à voir une autre réalité. En parallèle de la narration, cette composition de Lisa Mouchet traduit une inquiétude souvent présente dans son travail de recherche : trop en dire, trop en montrer ou pas assez. Pour trouver ce juste milieu, elle use de différents systèmes graphiques et narratifs : la vue subjective, le dialogue en rébus ou encore les dessins en trompe l’œil, qui sont autant de jeux de dissimulation ou de révélation. I. T.

Lisa Mouchet est née en 1191 à Châteauroux. Elle vit et travaille à Montreuil.

Sérigraphie sur papier Arches 88 350g, 8 passages couleur.
Œuvre réalisée en collaboration avec Simon Thompson à Paris Print Club, Paris.

Cette œuvre a été réalisée dans le cadre de la commande Emanata.
Confiée à des auteurs de bande dessinée et à des artistes la commande d’œuvres d’art imprimé, Emanata* dévoile douze créations originales qui témoignent de la singularité de la création contemporaine et des images. Initiée par le ministère de la Culture dans le cadre de « BD 2020, l’année de la bande dessinée », cette commande, portée par le Centre national des arts plastiques (Cnap) en partenariat avec l’Association de développement et de recherche sur les artothèques (Adra) et la Cité internationale de la bande dessinée et de l’image, d’Angoulême, vise à souligner les liens qu’entretient la bande dessinée avec les arts visuels dans la création contemporaine. Les artistes retenus, par un comité de sélection composé de représentants des commanditaires et des artistes Marion Fayolle et Jochen Gerner, affirment leur appartenance à l’imaginaire et aux codes de la bande dessinée et de l’image graphique et développent des recherches prospectives et expérimentales. Dans la lignée de Nouvelles Vagues (2010–2018) et de nombreux autres programmes de commande menés depuis 1989, Emanata* crée également un terrain de rencontres et d’échanges de savoir-faire entre artistes et artisans d’art, tout autant passeurs d’images et d’imaginaires.
Les œuvres réalisées sont conservées au sein des collections du Cnap, des artothèques et de la Cité internationale de la bande dessinée et de l’image et viennent enrichir un patrimoine vivant. Destinées par essence à être diffusées largement, les six cent soixante-cinq estampes sont mises à la disposition à la fois des administrations ou des services de l’État mais aussi des emprunteurs des artothèques. Ce deuxième partenariat avec l’Adra — le premier ayant donné lieu à la commande de multiples Quotidien, en 2019 — permet à nouveau de faire circuler des œuvres de l’espace collectif vers celui de l’intime et de toucher ainsi un public élargi.