Les photogrammes proviennent d’un ensemble réalisé dans le cadre du projet « DUST, THE PLATES OF THE PRESENT » qui a fait l’objet d’une exposition au Centre Pompidou/Paris en 2020-2021 et d’un catalogue. Les huit photogrammes alors exposés font partie de la collection du Centre Pompidou/Paris. Les œuvres proposées à l’artothèque de Grand Quevilly n’ont jamais été exposées ni publiées.
L’œuvre de Shanta Rao (franco-indienne qui vit et travaille à Paris) invoque un monde transformiste, en perpétuel devenir. Elle puise ses origines dans le concret de phénomènes physiques et biologiques, ou encore dans l’abstraction d’algorithmes empruntés à l’informatique. Par une approche brouillant ou invalidant les généalogies, des objets-sources mutent, s’hybrident et se manifestent sous de nouvelles formes. Changement de langage, de forme, de matière. Qu’elles soient peintures, objets ou installations, elles sont le résultat de procédés et de mécaniques hybrides, une mise en forme de l’entropie qui questionne la persistance des êtres et des choses à travers le temps et la dynamique des flux et des transitions.

Shanta Rao a notamment exposé à la Galerie Edouard Manet, Gennevilliers/FR ; Treignac Projet, Treignac/FR ; Shimmer, Rotterdam/NL ; FRAC Provence-Alpes-Côte d’Azur, Marseille/FR ; FUTURA, Prague/CZ ; Centre Pompidou, Paris/FR ; Nest, La Haye/NL ; Galerie Joseph Tang, Paris/FR ; École Nationale Supérieure d’Architecture de Paris-Belleville, Paris/FR ; Institut national du design, Ahmedabad/IN. Ses œuvres sont présentes dans des collections privées et publiques.

Tirage jet d’encre à partir d’un photogramme scannérisé – 1/4

Cette photographie est celle d’une sculpture réalisée par l’artiste et présentée au musée de Rochechouart en 2017.
Intitulée « Le noyau », il s’agit d’une pomme en polystyrène coupée en deux et de laquelle il a enlevé le plomb qui sert habituellement à lester les fruits factices.

Procédant par collectes dans le paysage, Gyan Panchal s’intéresse avant tout aux objets façonnés par l’homme. Ces objets utilitaires, abandonnés deviennent ses matériaux de prédilection. Silo, bouée, canoë … sont ainsi réinvestis tantôt par recouvrement ou par
soustraction de matières synthétiques et naturelles. Le travail de Gyan Panchal stimule un regard renouvelé sur la matière dont se constitue notre environnement. Considérant les objets « comme des traits d’union entre l’homme et son rapport au territoire, son
rapport à la nature », l’artiste aborde la sculpture par le biais de matériaux toujours pauvres. Revendiquant une filiation évidente avec les artistes de l’Arte Povera et ceux du mouvement Support/surface, il construit une oeuvre basée sur des matières négligées, sans valeur comme le polystyrène qui n’a pas vocation a être montré comme tel et qui est ici révélé.

Né en 1973 à Paris, Gyan Panchal est diplômé d’un DEA d’arts plastiques de l’université Paris-I Panthéon-Sorbonne et a bénéficié de plusieurs expositions personnelles. Il vit et travaille à Eymoutiers (Limousin).

Micha Laury interroge la place de l’existence humaine dans la société actuelle et future. Son art a une portée critique: il est imprégné de l’idée de dysfonctionnement et de la fragilité de nos relations avec le monde.

« A travers des pièces qui peuvent prendre des formes diverses telles que le tableau, le dessin, le volume ou l’installation in situ, j’interroge différentes possibilités de la peinture contemporaine de façon pictural et analytique sans restriction de médium ou de technique. Ma pratique se déroule et s’articule autour de l’atelier, dans un processus d’expérimentation des matériaux, et se transforme à nouveau au moment de l’exposition, interrogeant les conditions de monstration des tableaux contemporains. La peinture est abordée par différentes actions de retrait, d’effacement, d’imprégnation, d’empreinte, de dilution, et questionne, de façon incessante, le processus d’apparition du motif pictural et sa relation joueuse avec le regardeur, par manipulation et interversion du pictural et du photographique, de l’outil et de la main, de l’œuvre et de l’espace d’exposition. »

Albane Hupin

Albane Hupin est diplômée en Design Textile de l’ENSAAMA Olivier de Serre. Elle suit ensuite un cursus en art contemporain à la Villa Arson dont elle est diplômée en 2007. Elle a exposé son travail dans différents lieux à Nice, à Rouen, à la Maison des Arts de Grand-Quevilly et à l’étranger (musée d’art de Ningbo, Chine). Elle a participé en 2015 au prix de peinture Novembre à Vitry et est sélectionnée pour le 67ème prix Jeune création en 2017

Le sculpteur Suisse David de Tscharner utilise des éléments tels que des contraintes de temps, des contextes géographiques, des appropriations et des processus participatifs pour magnifier les matériaux qu’il manipule, transformant la sculpture en un catalyseur qui établit des liens entre expériences intimes et expériences sociales.

Matali Crasset est designer industriel de formation. Depuis 25 ans, elle a su construire un univers singulier fait de touches de couleurs vives et de modularité.

Diplômée des Ateliers, Ecole Nationale de Création Industrielle (ENCI) en 1991, elle collabore durant cinq ans avec le designer Philippe Starck. En 1998, elle crée sa propre structure qui lui permet d’intervenir dans des domaines aussi variés que le design industriel, le mobilier, l’architecture d’intérieur, la scénographie… En dehors des traditions formelles et décoratives du design, le travail de Matali Crasset s’attache davantage à la fonction et aux relations entre les objets, les hommes et leurs activités. L’artiste interroge les rites domestiques, les codes sociaux et culturels qui régissent notre vie quotidienne afin d’expérimenter de nouvelles typologies et manières de se les approprier.

Elle propose des espaces ouverts à tous, des objets adaptés aux usagers et aux désirs humains favorisant l’échange et le partage. L’univers de Matali Crasset transpose ainsi l’usager dans une réalité alternative l’invitant à réagir sur le monde qui l’entoure.

Née en 1965 à Châlon-en-Champagne, Matali Crasset vit et travaille à Paris. Figure emblématique du design, ses créations sont visibles à travers le monde.

La série de photographies « Les infernalxs » est réalisée avec Camille Vivier à l’occasion de l’exposition personnelle de Cécile Bouffard au Centre d’art Les Capucins à Embrun en 2019 sous le titre Pourquoi marcher quand on peut danser ? Ces images interrogent la question de l’attribut comme signe de revendication, mais aussi l’agir et la présence. Complémentaires de son travail de formes, les photographies permettent de montrer différentes activations de ses pièces, avec la complicité d’amixs qu’elle invite à s’emparer de formes réalisées pour chacune d’elle. Ces photos constituent une des facettes des projets que l’artiste mène de manière collaborative, qui enrichissent et prolongent sa pratique.

Cécile Bouffard, née en 1987 vit et travaille à Paris. Diplômée de l’École nationale supérieure des beaux-arts de Lyon en 2014, elle a depuis co-fondé l’artiste run-space Pauline Perplexe à Arcueil. Entre 2015 et 2022, elle a été en résidence à la Cité internationale des arts et à la Villa Belleville à Paris. Dans son travail, elle donne vie à un répertoire d’objets empruntés au quotidien et à des gestes sensuels. Pourquoi s’en tenir à la seule fonctionnalité des objets et des gestes ? Comment dépasser l’opposition entre l’utile et l’inutile ? L’art peut-il se fondre, se confondre avec la vie ? Le contact avec les œuvres de Cécile Bouffard nous invite à renouer avec un effort d’attention. Il nous faut prendre le temps de les considérer et de percevoir les intentions et les affects qui les traversent. Chaque ligne, chaque volume, est comme une pensée qu’il y aurait à entendre, et à laquelle destiner notre écoute.

Tirage jet d’encre sur papier Awagami