Eternity in a Moment

exposition de Mika Ninagawa

dans le cadre du festival Normandie Impressionniste
À la Roseraie de Grand Quevilly

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Vernissage
Mardi 26 mai à 18h

Exposition du 26 mai au 30 août 2026

« En Normandie, le temps change de manière étonnamment dramatique. Le soleil, qui brillait fort il y a un instant, se voile soudainement, le ciel s’assombrit et la pluie commence à tomber. Cette présence de la lumière, à laquelle on ne prêtait plus attention lorsqu’elle était constante, me bouleverse intensément lorsqu’elle perce soudainement à travers une déchirure dans les nuages épais. C’est sans doute parce que la Normandie est une terre où l’on ressent les changements de lumière avec une telle acuité que les peintres impressionnistes d’autrefois s’y pressaient pour laisser courir leurs pinceaux.

À l’occasion du Festival Normandie Impressionniste, j’ai eu l’opportunité de photographier des roses au sein de la Roseraie de Grand Quevilly, mais également à Giverny, au Japon et dans d’autres pays. Face aux fleurs, sous une lumière qui changeait d’expression à chaque seconde, j’ai vécu un moment irremplaçable, comme si je revivais par moi-même « le pouvoir de la lumière » que ces peintres avaient jadis ressenti.

Les photos des roses exposées sont des « fragments de lumière » que j’ai rencontrés par miracle. À l’endroit où les frontières se confondent entre les roses de la photographie et les véritables roses qui oscillent sous vos yeux en ce moment même, je vous invite à ressentir la fraîcheur du monde dans lequel nous vivons. »

Mika Ninagawa

Près de chez vous

exposition des artistes diplômés de l’ésadhar
Commissariat Magali Nachtergael.

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Vernissage
Mardi 28 avril à 18h

Exposition du 28 avril au 25 juillet 2026

« Pas besoin d’aller loin pour trouver des trésors, pour faire beaucoup à partir de peu, pour ré-enchanter un quotidien en apparence trop routinier et en faire des œuvres d’art. Les diplômé·es de l’école supérieure d’art et du design Le Havre – Rouen, véritable escouade d’artistes à tout faire de proximité, sorte de groupe d’élite local d’intervention artistique, présentent une sélection de leurs travaux au terme de cinq ans d’apprentissage. « Près de chez vous », c’est la possibilité d’un voyage vers la création et une exploration des intérieurs, certains intimes, d’autres partagés, qui n’empêchent pas de rêves d’horizons lointains et les regards sur des détails si familiers qu’on n’y prête plus attention. « Près de chez vous », il y a des histoires qui attendent leur forme, peinture, photographie, vidéo, sculpture ou performance. A deux pas de chez vous, une génération d’artistes d’avenir investit la Maison des arts, en circuit court, et témoigne de la vitalité créative de l’école sur le territoire de la métropole. »

Magali Nachtergael, commissaire d’exposition « Près de chez vous »

Près de chez vous

exposition des artistes diplômés de l’ésadhar

Commissariat Magali Nachtergael.

Avec André Briot, Emma Capalbo, Léon Chotard, Justine Coursin, Emma Dedun, Félicie Dehors, Hugo Denise, Alice Feuillère, Jeanne Foquereau, Louise Gillet, Thomas Guerard, Sarah-Jeanne Gomez, Élise Hamel, Kilian Le Lay, Mariia Lepik, Emma Maignan, Étienne Muller, Camille Screve et Umanz

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28 avril- 25 juillet 2026

Vernissage le mardi 28 avril à partir de 18h

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« Pas besoin d’aller loin pour trouver des trésors, pour faire beaucoup à partir de peu, pour ré-enchanter un quotidien en apparence trop routinier et en faire des œuvres d’art. Les diplômé·es de l’école supérieure d’art et du design Le Havre – Rouen, véritable escouade d’artistes à tout faire de proximité, sorte de groupe d’élite local d’intervention artistique, présentent une sélection de leurs travaux au terme de cinq ans d’apprentissage. « Près de chez vous », c’est la possibilité d’un voyage vers la création et une exploration des intérieurs, certains intimes, d’autres partagés, qui n’empêchent pas de rêves d’horizons lointains et les regards sur des détails si familiers qu’on n’y prête plus attention. « Près de chez vous », il y a des histoires qui attendent leur forme, peinture, photographie, vidéo, sculpture ou performance. A deux pas de chez vous, une génération d’artistes d’avenir investit la Maison des arts, en circuit court, et témoigne de la vitalité créative de l’école sur le territoire de la métropole. »

Magali Nachtergael, commissaire d’exposition « Près de chez vous »

Pilier cassé

exposition de Suj O

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20 janvier – 4 avril 2026

Vernissage le mardi 20 janvier à partir de 18h

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Les récits familiaux se déposent dans les corps et les images, ils s’installent dans les failles et y restent. Parfois en silence, parfois pendant très longtemps. Cette exposition met en lumière ce qui naît de la mémoire transmise, des héritages inconscients.

Dans les œuvres de Suj O, il y a donc son histoire mais aussi les histoires d’avant, celles de ses ancêtres. Des histoires qu’elle connaît, mais qui ne font pas toujours sens. D’autres histoires qu’elle ignore mais qu’elle porte en elle. Suj est ici à la maison ; l’artiste est venu accrocher ses dessins et nous invite ainsi à traverser son histoire, en interrogeant la nôtre dans le même élan. Une quête psychogénéalogique qui lui permet de questionner ses racines, de chercher où se trouvent ses piliers les plus solides.

Suj O est lauréate du programme « Résidence d’été » initié en 2023 par l’ésadhar, la Cité internationale des arts, la Galerie Duchamp et le Palais de Tokyo. En 2025, la Maison des arts Agnès-Varda et artothèque de Grand Quevilly a rejoint ce programme, dont l’objectif est de soutenir et encourager l’insertion professionnelle des créateur·rices émergent·es.

Thomas Cartron
Directeur de la Maison des arts Agnès-Varda
et artothèque de Grand Quevilly

Andar semi semi

[ Aller ensemble ]

exposition personnelle de Camille Pradon
commissariat de Pierre Duval

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13 septembre – 20 décembre 2025

Vernissage le samedi 13 septembre à partir de 17h

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Depuis les origines, les histoires s’écrivent par la mémoire de celles et ceux qui les ont vécues. Avec Andar semi semi [ Aller ensemble ], Camille Pradon s’aventure dans les profondeurs de récits oubliés, là où les voix assourdies trouvent un nouvel écho. En tissant des liens dans les interstices, elle arpente l’histoire, les histoires, et en propose d’autres chemins de lecture. Cette traversée indisciplinée bouleverse nos repères pour faire surgir des gestes suspendus, jusque-là figés dans l’immobilité. Une exploration de l’intangible rendue possible par la résurgence d’images et de mots enfouis en quête d’écoute, que l’artiste assemble avec patience.

En mettant à distance nos cadres d’interprétation par des mécanismes subtils, Pradon rend visible une intranquillité cachée et pourtant inscrite dans les moindres replis de l’espace. Dans cette agitation, la mer archive silencieusement trajectoires de vies, rites et gestes, autant d’héritages partagés, écrits dans le silence et parfois ensevelis dans les abysses. L’artiste y navigue en proposant une histoire des circulations, où chaque détail est porteur de vestiges mémoriels. Son approche du langage par captation – à la croisée de la gravure et de l’effacement – convoque un vocabulaire discret et fragile, bien que chargé de la puissance des éléments.

Pour mieux saisir l’essence sensible du temps, Camille Pradon déchiffre minutieusement ce qui s’imprime à la surface de l’existence. C’est d’ailleurs en explorant les effets de porosités entre surfaces et profondeurs que l’artiste travaille à découvrir la nature même du visible. Le témoignage, dans cette perspective, n’est pas une preuve ni un document figé, mais une matière mouvante, traversée d’absences et de surgissements. Il s’agit moins de reconstituer un récit que d’en révéler les failles, les silences, ces zones d’ombre qui résistent à l’interprétation et dessinent les contours d’une mémoire partagée. L’ellipse, motif récurrent dans le travail de l’artiste, agit ici un comme un outil narratif : elle crée suspensions et points de bascule d’où peut surgir une parole autre, fragmentaire et décentrée.
Ces traversées, qu’elles soient géographiques, affectives ou temporelles, déplacent notre rapport au témoignage. Elles le rendent poreux, vibrant, parfois vacillant. Ce n’est pas tant la restitution d’un récit qui importe ici, que la tentative d’en capter les résonances diffuses, les persistances souterraines.

D’un regard attentif, Camille Pradon adopte une vision et façonne des formes qui se glissent entre les lignes. Elle déchiffre dans ses marges, lit dans ses silences. Cette résonnance entre les espaces et les temps génère une série de témoignages mouvants, construits dans l’intervalle et réassemblés par touches. Une trajectoire se dessine à travers les images et les artefacts présentés dans l’exposition, agissant chacun comme les réceptacles de voix oubliées : agora pour ces choses indicibles qui remontent à la surface et qui nous invitent à écouter, à relier et à transmettre.

Pierre Duval, commissaire d’exposition

Mémoire intruse,

mémoire diffuse,

images confuses

une exposition de Mickaël Halley, Sujin Oh, Arslane Smirnov et Valentine Traverse

proposée par Marie-Laure Lapeyrère

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1^er mars – 26 juillet 2025

Vernissage le samedi 1^er mars à partir de 17h

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« Mémoire intruse, mémoire diffuse, images confuses » est une exposition qui rassemble les œuvres de 4 artistes liés au territoire normand — Mickaël Halley, Sujin Oh, Arslane Smirnov et Valentine Traverse — mais qui de par leur histoire personnelle ont traversé des géographies bien plus vastes et plus lointaines que cette région du nord-ouest de la France.

La mémoire de ces distances qui les habitent maillent d’une certaine manière leur pratique et vient dessiner les contours d’une identité singulière, ce qui a motivée mon envie de créer la rencontre, de les faire se croiser et se parler. Aucun·e d’entre elleux ne se connaissaient vraiment avant que ne s’active ce projet d’exposition. Aussi, des temps de partage et des espaces de discussion ont été aménagés afin que la réalisation des œuvres pour l’exposition puisse se faire sur un principe de dialogue et ce malgré l’écart réel entre leur pratique.

Chez chacun·e cependant la pratique du dessin est présente, de façon centrale chez Sujin Oh et Arslane Smirnov, de façon plus périphérique mais non moins essentielle chez Valentine Traverse et Mickaël Halley. Á considérer leurs différences et leurs points de jonctions, j’ai remarqué une constante dans un certain usage du fragment. Fragments composés d’éléments de vocabulaire plastique relativement récurrents. C’est dans l’association, l’assemblage et la confrontation de ces fragments que se compose chez chacun·e un espace, un récit voire la réactivation d’une mémoire, autant personnelle que collective.

Alors que Paul Ricoeur, s’adossant à Aristote, confirme que « la notion de distance temporelle est inhérente à l’essence de la mémoire et assure la distinction entre mémoire et imagination »^[1], la manière même avec laquelle la mémoire se réveille à nous est éminemment plurielle dans ses manifestations. Qu’elle soit activée de manière volontaire ou qu’elle émerge spontanément, qu’elle se manifeste de façon précise et claire ou au contraire de manière parcellaire et diffuse, elle n’en demeure pas moins la part déterminante de notre humanité et de nos identités tant collectives qu’individuelles. Elle constitue la singularité de notre capacité à faire usage du passé pour agir dans le présent et construire des futurs possibles.

Marie-Laure Lapeyrère

^[1] Paul Ricoeur, La mémoire, l’histoire, l’oubli, Éditions du Seuil, 2000, p. 23

HOLO

une exposition personnelle de

Julia Borderie & Éloïse Le Gallo

proposée par Marie-Laure Lapeyrère

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Exposition du 28 septembre 2024 au 25 janvier 2025

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Avec HOLO, Julia Borderie & Éloïse Le Gallo prolongent leur exploration des sous-sols du bassin parisien et de ses sédimentations, accompagnées pour l’occasion par les archéologues de l’Inrap. Entre la Fonderie Deroyaume à Villers-sur-Port, le port de Rouen, l’antenne de l’Inrap à Grand Quevilly et les espaces de la Maison des arts et de l’artothèque à Grand Quevilly, les artistes ont construit les conditions de rencontres entre scientifiques et habitant·es propices à la confrontation de récits, à l’expression d’une pluralité de gestes, à la naissance de fictions.

L’exposition propose une navigation entre une succession de films courts réalisés par les artistes qui ont posé leur regard sur la main et les gestes qui en découlent. La main humaine a ceci de particulier qu’elle est l’organe central de l’évolution humaine. La valeur humaine du geste se situe à la fois dans la marche verticale et dans ses conséquences sur le développement du cerveau. Et, très vite, la main cesse d’être outil pour devenir moteur.

Cette exposition a été rendue possible grâce à plusieurs collaborations et partenariats.

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HOLO est une exposition dont le projet a été réalisé en partenariat avec l’Inrap (Institut national de recherches archéologiques préventives) et HAROPA PORT.
Les artistes ont également bénéficié du soutien du Fresnoy – studio national des arts contemporains via l’aide aux projets extérieurs.

HOLO a par ailleurs été sélectionnée par la commission mécénat de la Fondation des Artistes qui lui a apporté son soutien.

LES YEUX TURBIDES

Shanta Rao

commissariat de Marie-Laure Lapeyrère

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Exposition du 18 mai au 31 août 2024

Vernissage
Samedi 18 mai 2024 à 17h

LES YEUX TURBIDES est une exposition personnelle de l’artiste franco-indienne Shanta Rao qui s’ancre dans l’écho qui se joue entre l’intérêt porté par les artistes du mouvement impressionniste pour le caractère éphémère de la lumière et l’exploration chez Shanta Rao des enjeux de perception via l’usage de matériaux et de pigments qui jouent notamment avec la lumière pour venir troubler le regard.

Alors que l’impressionnisme procède de l’invention d’une nouvelle vision basée non plus sur la représentation mais sur la perception, qui d’une certaine manière prépare le terrain à l’abstraction, le travail de Shanta Rao y renvoie une exploration de la fugacité, de l’incertain et du changement via l’usage de matériaux aux qualités ductiles souvent fluides tels que la peinture avec mémoire de formes, des pigments iridescents et métalliques, l’amidon de pomme de terre, des colles, etc.

Depuis plusieurs années, l’artiste élabore pas à pas une grammaire plastique qui reflète la mutabilité du concret – ses problématiques visuelle, matérielle et temporelle – et par extension, celle de la perception et de la parole qui l’accompagnent. Dans son œuvre, il est question d’un monde transformiste en perpétuel devenir où s’activent sans cesse des processus de morphogenèse, de mutation et d’hybridation jusqu’à en déjouer l’origine et sa taxonomie. Et, par métaphorisation, sont en jeu des questionnements – à l’image du paradoxe du bateau de Thésée ⁽¹⁾ – sur la continuité spatio-temporelle des êtres et des choses, sur l’identité. Cette dernière, persiste-t-elle par la forme, par la matière ou encore autrement ?

Pour LES YEUX TURBIDES, les propositions de Shanta Rao sont amorcées depuis la vision nouvelle initiée par les impressionnistes. S’envisageant de manière complémentaire et en résonance, elles se déplient dans deux espaces distincts : l’un ouvert, en prise avec la nature et l’architecture du Parc des Provinces et l’autre clos, en dialogue avec le bâti vernaculaire et contemporain de la Maison des arts.

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LES YEUX TURBIDES
est programmée à l’occasion du Festival Normandie Impressionniste 2024 et a été sélectionnée par la commission mécénat de la Fondation des Artistes qui lui a apporté son soutien.

« Artothèque(s) : dialoguons ! »

avec les œuvres de l’artothèque ESADHaR 
et l’artothèque de Grand Quevilly

artistes invitées Marie-Margaux Bonamy et Hélène Souillard

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Exposition du 27 janvier au 20 avril 2024
Vernissage
Samedi 27 janvier 2024 à partir de 17h

« Artothèque(s) : dialoguons ! » est une exposition qui propose un dialogue entre deux collections, deux territoires et plusieurs regards à partir des collections de l’artothèque de Grand Quevilly et de l’artothèque ESADHaR (École Supérieure d’Art et Design Le Havre-Rouen). Cette exposition résulte d’un commissariat pluriel au cours duquel Marie-Margaux Bonamy, William Daniel, Marie-Laure Lapeyrère, Hélène Souillard & al ont échangé et réfléchi aux possibilités de rencontre entre les œuvres et avec les publics, au désir de choisir et de montrer, au souci de créer un espace ouvert et transformable.

L’exposition est également pensée sur une modalité évolutive grâce aux visiteurs et visiteuses qui pourront emprunter les œuvres exposées pendant le temps d’ouverture. Une fois leur choix décroché, les emprunteurs·euses seront par ailleurs invité·es à choisir l’œuvre qui remplacera celle qu’ils ou elles auront choisi d’emporter. Les publics participeront ainsi à la transformation de l’exposition à l’image du déplacement des œuvres propre au fonctionnement d’une artothèque, le passage de mains en mains.

Enfin, afin de jouer d’une scénographie à la croisée d’un lieu d’exposition et de l’intérieur d’une maison ou d’un appartement, explorant les possibles d’un accrochage sur les murs, Marie-Margaux Bonamy et Hélène Souillard ont été invitées à proposer un motif de papier peint pour un mur sur lequel les deux jeunes artistes proposeront un choix d’œuvres en dialogue avec leur motif. Cet habillage des murs fera écho à un accrochage joyeux, coloré et dense, entre environnement et aménagement.

Les publics seront invités à explorer les murs de la Maison des arts et à y découvrir les œuvres dont ils pourront s’emparer à l’issue de leur visite.

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« Artothèque(s) : dialoguons ! »
est une exposition réalisée en partenariat avec l’ESADHaR  – École supérieur d’art et design Le Havre Rouen et sur le principe d’un commissariat pluriel avec le voix de Marie-Margaux Bonamy, William Daniel, Marie-Laure Lapeyrère, Hélène Souillard et al.

« … comme un liquide

        se dilue dans un autre. »

Joan Ayrton

avec la collaboration de
Yuko Nexus6 et Alix Debraine

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Exposition du 23 septembre au 16 décembre 2023
Vernissage le samedi 23 septembre à 17h

« … comme un liquide se dilue dans un autre. », exposition personnelle de Joan Ayrton, pose un regard sur l’impermanence ou l’irréversibilité des choses dans un monde inquiété. L’exposition est construite autour d’un film, « The Voice in Nagatoro Forest », essai expérimental explorant la prégnance, dans le Japon contemporain, des années d’après-guerre. Autour du film sont dépliés des motifs, des peintures, des impressions. Le travail de la main, celui des machines. Les gestes métaphorisés de l’artisan et du peintre sont pris dans le processus mécanique, surgissent alors des rythmes, des accélérations, un emballement, un possible, voire inéluctable déraillement.

L’exposition donne lieu à deux collaborations ─ l’une avec Yuko Nexus6, artiste sonore et compositrice (Japon), la seconde avec Alix Debraine, artiste plasticienne (Suisse) ─ et aux invitations de Norman Yamada, compositeur (États-Unis, Japon), Frances Bartlett, violoncelliste (Grande-Bretagne) et Marcelline Delbecq, artiste et autrice (France).

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« … comme un liquide se dilue dans un autre. »
est une exposition personnelle de l’artiste Joan Ayrton qui bénéficie du soutien en communication de la Maison de la Culture du Japon à Paris.