Caractérisée par la dérision et l’ironie, l’œuvre de Martin Parr rejoint le domaine de la photographie documentaire, dont il propose une approche nouvelle. Son travail apparaît comme l’un des témoins privilégiés de la société britannique à l’époque de Margaret Thatcher. Joel Meyerovitz, William Eggleston et Stephen Shore ont une influence importante sur lui.

Il a travaillé sur de nombreux projets en réalisant des séries, par exemple sur le tourisme, où il montre le contraste entre l’attente et la réalité, ou encore une série sur lui-même, avec des prises sur plusieurs années, où il présente la même attitude.

Artiste plasticien, Guy Lemonnier engage à partir de 1980 ses travaux sur l’invention et la création de signes dans l’espace. Il édite en 1979 une Encyclopédie, réécriture cryptée de l’histoire des arts plastiques. Il développe cette expérience l’année suivante à l’occasion de la XIe biennale de Paris/Musée d’art moderne, par la création d’un lieu de transmission, une « école des signes et du sens » en favorisant la rencontre avec un large public. Ces travaux fondateurs vont donner lieu à beaucoup d’autres, interrogeant tour à tour le corps, ses traces, le paysage, la fabrique, pour ensuite s’intéresser à l’énergie, entre physique et métaphysique.

En 1990, il fonde le Conservatoire Nominal des Arts et Métiers (double du Conservatoire National des Arts et Métiers), lieu de travail et de stockage, lieu d’exposition et sujet d’une réflexion sur la fonction et l’usage des médiums en rapport avec la « chose nommée ». Ce lieu singulier s’enrichit de différentes fonctions au fil des années, en lien avec différents lieux d’expositions régionaux, nationaux et internationaux. Le C.N.A.M. édite sur papier , en vidéo et par le biais d’objets.

En résidence sur l’île d’Aix Rafaela Lopez découvre les légendes et rumeurs qui habitent les lieux.

Ses rencontres et échanges avec les habitants de l’île vont faire ressurgir des histoires réelles ou fantasmées. L’artiste va s’emparer de la légende du Dinosaure, nom d’une boite de nuit éphémère ouverte en 1994 par un couple de femmes artistes, qui seraient depuis restées cachées dans la forêt.

Table of Recall est inspiré du Memory, un jeu pour enfant dans lequel des cartes carrées sont posées faces cachées sur une table et sont retournées à de multiples reprises afin de trouver des paires identiques. Dans la version d’Aurélien Froment, le public est invité à jouer avec 96 cartes toutes différentes. Le dos des cartes est d’un jaune qui rappelle la couleur des post-it. Les images sur la face sont issues des archives personnelles de l’artiste, mettant ainsi en lumière divers concepts-clés qui composent sa pratique, à l’instar de la projection, de la ressemblance et de l’erreur. Si le jeu de Froment ne contient aucune paire évidente, le principe est toujours d’associer deux cartes. Ainsi, la négociation entre participants devient principe de jeu.

Le travail d’Aurélien Froment est traversé par le principe de narration. L’œuvre, qui se matérialise à travers une diversité de média, est souvent le résultat d’une recherche ou d’un travail d’association combinant textes, images et films. Le cinéma, son imaginaire, sa forme, et la mémoire collective sont autant de références qui jalonnent et constituent son œuvre. L’artiste fut lui-même projectionniste dans un cinéma parisien. Rébus et significations souterraines peuplent donc son travail. Le principe de la narration prend également corps dans l’objet livre, un élément récurrent dans le travail de l’artiste. Les œuvres de Froment exploitent le principe fort de la mise en abyme, à la façon d’une histoire sans fin, comme des bribes d’histoires interrompues entremêlées les unes aux autres, entre fiction et documentaire.

Aurélien Froment a étudié à l’École Régionale des Beaux-Arts de Rennes et de Nantes où il obtient son diplôme en 2000, ainsi qu’à la Manchester Metropolitan University. Il vit et travaille actuellement à Paris. Il est lauréat du Prix de la jeune création Mulhouse 001 (2001) et a bénéficié de plusieurs résidences d’artiste dans différentes villes européennes. Ses œuvres ont, à plusieurs reprises, été montrées à la FIAC et de nombreuses expositions lui sont consacrées chaque année dans des galeries et centres d’art en France et à l’étranger.

96 cartes (impression Offset), boîte en carton (design Abake), 100 exemplaires

Les sculptures pour plantes créées par Anne-Sophie Bocquier sont une exploration sensible des formes et des couleurs, des formes architecturales, des « formes-paysages » jouant sur la variation des surfaces et des matériaux.

Il ne s’agit pas seulement de produire des objets, mais des lieux d’habitation du regard. La tradition japonaise de l’ikebana, composé à l’origine pour « consoler l’âme », se mêle à la culture spectaculaire et amnésique des architectures et paysages américains appartenant aussi bien à la réalité qu’à la fiction. En représentant une monumentalité miniaturisée, les sculptures pour plantes invitent au voyage sans objectif, à la projection vers un ailleurs et au désir d’évasion.

Catherine Auregan est autodidacte. Elle pratique le Raku qui est une abréviation du terme japonais raku-yaki 楽焼 (raku-yaki, lit. « cuisson confortable »): le résultat d’une technique d’émaillage développée dans le Japon du XVI e siècle. Il est lié essentiellement à la fabrication de bols pour la cérémonie du thé.