Signatures, pose la question de la frontière entre le dessin et l’écriture. Ce travail consiste à lâcher un morceau de fil noir sur une feuille de papier A4 (qui porte la légende de l’œuvre) et de laisser le hasard faire le reste, c’est à dire générer un nombre infini de signatures aléatoires, qui sont autant de dessins abstraits.
La signature d’une œuvre (qui participe à son aura) est un geste habituellement réservé à l’artiste. Elsa Werth propose ici de faire un pas de côté par rapport à cette convention et de déléguer la signature de l’œuvre à une autre personne et surtout au hasard.
Elsa Werth développe un travail aux formes multiples : installations, sculptures, vidéos, livres d’artistes et pièces sonores. L’économie du travail, les façons d’œuvrer constituent le contexte à partir duquel se déploie sa pratique artistique. Elle rend compte des actions ordinaires, des gestes quotidiens liés aux activités et rituels contemporains en les désignant et en les déstabilisant par des opérations de déplacement, des contre-usages, des perturbations.
Avec une réelle économie de moyens, elle revendiue des productions anti-spectaculaires comme tactiques de résistance. Ses matériaux de travail sont ces choses qui font le réel : les objets, les mots, les formes et les signes avec lesquels et au travers desquels nous vivons. Des choses communes dans tous les sens du terme : communes parce qu’ordinaires, communes car partagées.

Née en 1985, Elsa Werth vit et travaille à Paris. Son travail a été présenté dans des expositions collectives au Mudam (Luxembourg), Art Museum of Nanjing University, Biennale de Coimbra, BSMNT (Leipzig), Bloom (Düsseldorf), Société (Bruxelles), NordArt Büdelsdorf, Frac des Pays de la Loire, Frac Normandie, Frac Franche-comté, Centre d’Art Bastille (Grenoble), Cabinet du Livre d’Artiste (Rennes), Creux de l’Enfer (Thiers), Centre d’Art Albert Chanot, ZK/U Center for Art Berlin (…). Il a également fait l’objet d’expositions personnelles au Centre d’Art de l’Onde (Vélizy-Villacoublay), à Interface (Dijon), Entre Deux Portes (Bruxelles), Lendroit Éditions (Rennes), Centre des livres d’artistes (St Yrieix-la-Perche), Primo Piano, Galerie Martine Aboucaya, Galerie mfc-michèle didier (Paris) ainsi qu’au Bazar Compatible program (Shanghai), à Duplex/Walden (Genève) et à Bloom (Düsseldorf).

Fil de coton, impression numérique sur papier 120 gr – 45/100

Signatures, pose la question de la frontière entre le dessin et l’écriture. Ce travail consiste à lâcher un morceau de fil noir sur une feuille de papier A4 (qui porte la légende de l’œuvre) et de laisser le hasard faire le reste, c’est à dire générer un nombre infini de signatures aléatoires, qui sont autant de dessins abstraits.
La signature d’une œuvre (qui participe à son aura) est un geste habituellement réservé à l’artiste. Elsa Werth propose ici de faire un pas de côté par rapport à cette convention et de déléguer la signature de l’œuvre à une autre personne et surtout au hasard.
Elsa Werth développe un travail aux formes multiples : installations, sculptures, vidéos, livres d’artistes et pièces sonores. L’économie du travail, les façons d’œuvrer constituent le contexte à partir duquel se déploie sa pratique artistique. Elle rend compte des actions ordinaires, des gestes quotidiens liés aux activités et rituels contemporains en les désignant et en les déstabilisant par des opérations de déplacement, des contre-usages, des perturbations.
Avec une réelle économie de moyens, elle revendiue des productions anti-spectaculaires comme tactiques de résistance. Ses matériaux de travail sont ces choses qui font le réel : les objets, les mots, les formes et les signes avec lesquels et au travers desquels nous vivons. Des choses communes dans tous les sens du terme : communes parce qu’ordinaires, communes car partagées.

Née en 1985, Elsa Werth vit et travaille à Paris. Son travail a été présenté dans des expositions collectives au Mudam (Luxembourg), Art Museum of Nanjing University, Biennale de Coimbra, BSMNT (Leipzig), Bloom (Düsseldorf), Société (Bruxelles), NordArt Büdelsdorf, Frac des Pays de la Loire, Frac Normandie, Frac Franche-comté, Centre d’Art Bastille (Grenoble), Cabinet du Livre d’Artiste (Rennes), Creux de l’Enfer (Thiers), Centre d’Art Albert Chanot, ZK/U Center for Art Berlin (…). Il a également fait l’objet d’expositions personnelles au Centre d’Art de l’Onde (Vélizy-Villacoublay), à Interface (Dijon), Entre Deux Portes (Bruxelles), Lendroit Éditions (Rennes), Centre des livres d’artistes (St Yrieix-la-Perche), Primo Piano, Galerie Martine Aboucaya, Galerie mfc-michèle didier (Paris) ainsi qu’au Bazar Compatible program (Shanghai), à Duplex/Walden (Genève) et à Bloom (Düsseldorf).

Fil de coton, impression numérique sur papier 120 gr – 24/100

Babeth Rambault développe un travail singulier, attachée aux terrains qu’elle traverse dont elle relève les fragments. L’artiste pratique un art spontané, attentif dans ses processus aux hasards, aux dysfonctionnements. Elle accommode les choses au sein d’arrangements ludiques et composites, mêlant entre autres, aliments, terre, éléments de construction & mobiliers, photographie & vidéo. Ses propositions infraordinaires, aux penchants tantôt rustiques ou grotesques ont des accents poétiques.

Babeth Rambault est née en 1971. Elle vit et travaille à Rennes et Meillac. Elle est diplômée des Beaux-Art de Bordeaux (1997). Elle dirige la galerie BIEN qu’elle a montée en 2008, espace réduit qui «propose des expositions visibles par une unique photographie sur un site internet, tandis que l’intervention de chaque artiste s’opère dans l’aménagement d’un temps de rencontre et de travail dans l’atelier (ou la cuisine)» . En 2018, Babeth Rambault est invitée par la Maison des arts de Grand Quevilly pour une exposition monophraphique Grumeau qui s’est tenue entre novembre et décembre.

Poster offset quadrichrome impression sur papier Imagine supermat 200 gr – 200 exemplaires

Franck Legendre, peintre et dessinateur produit une oeuvre dont le fil conducteur est l’expression de la singularité, de la différence. Ces personnages sont à la fois grotesques et inquiétants, mais s’adressent à nous pour que nous les incluions à nos propres existences.

« Depuis plusieurs années une envie de traduire par un nouveau langage, de montrer ou dire par un vocabulaire qui m’est propre est omniprésente. L’image photographique s’étant tellement démocratisée qu’on oublie sont origine, je m’interroge sur d’autre moyens de monstration du monde. En contradiction à l’utilisation actuelle de l’image qui veut qu’elle soit directe, que son message passe instantanément, ce que je montre nécessite l’observation, la contemplation et l’introspection. Ce sont des moyens de codage personnel qui sont utilisés pour venir rendre cette vision souvent éclatée ou dépouillée de ce qui nous entoure. Ce travail trouve son origine dans la photographie, point de contact avec la réalité, aucune des formes n’est inventée. Elles apparaissent, souvent simples, comme un Haïku, de manière directe et efficace. Que ce soit en peinture, sculpture ou dessin, leur assemblage commence dès leur création physique jusqu’au moment de leur installation dans l’espace. »

Mickaël Halley

« Depuis plusieurs années une envie de traduire par un nouveau langage, de montrer ou dire par un vocabulaire qui m’est propre est omniprésente. L’image photographique s’étant tellement démocratisée qu’on oublie sont origine, je m’interroge sur d’autre moyens de monstration du monde. En contradiction à l’utilisation actuelle de l’image qui veut qu’elle soit directe, que son message passe instantanément, ce que je montre nécessite l’observation, la contemplation et l’introspection. Ce sont des moyens de codage personnel qui sont utilisés pour venir rendre cette vision souvent éclatée ou dépouillée de ce qui nous entoure. Ce travail trouve son origine dans la photographie, point de contact avec la réalité, aucune des formes n’est inventée. Elles apparaissent, souvent simples, comme un Haïku, de manière directe et efficace. Que ce soit en peinture, sculpture ou dessin, leur assemblage commence dès leur création physique jusqu’au moment de leur installation dans l’espace. »

Mickaël Halley

En rupture avec l’utilisation actuelle de l’image dont le message doit être direct et instantané, le travail de Mickaël Halley nécessite du temps, celui de l’observation, de la contemplation et de l’introspection.

S’interrogeant sur des moyens de monstration du monde autres que l’image photographique, Mickaël Halley utilise des modalités de codage personnel pour venir traduire cette vision souvent éclatée ou dépouillée de ce qui nous entoure. Ce travail trouve son origine dans la photographie, point de contact avec la réalité. Aucune des formes ne sont inventées, souvent simples elles apparaissent comme un Haïku, de manière directe et efficace. Que ce soit en peinture, sculpture ou dessin, leur assemblage commence dès leur création physique jusqu’au moment de leur installation dans l’espace.

Mickaël Halley, né en 1991, est diplômé de l’école des beaux arts de Rouen. Il vit et travaille à Paris.

En rupture avec l’utilisation actuelle de l’image dont le message doit être direct et instantané, le travail de Mickaël Halley nécessite du temps, celui de l’observation, de la contemplation et de l’introspection.

S’interrogeant sur des moyens de monstration du monde autres que l’image photographique, Mickaël Halley utilise des modalités de codage personnel pour venir traduire cette vision souvent éclatée ou dépouillée de ce qui nous entoure. Ce travail trouve son origine dans la photographie, point de contact avec la réalité. Aucune des formes ne sont inventées, souvent simples elles apparaissent comme un Haïku, de manière directe et efficace. Que ce soit en peinture, sculpture ou dessin, leur assemblage commence dès leur création physique jusqu’au moment de leur installation dans l’espace.

Mickaël Halley, né en 1991, est diplômé de l’école des beaux arts de Rouen. Il vit et travaille à Paris.